安德拉什席夫。甘源摄

朗朗。王晓静摄

毛里齐奥波利尼。王晓静摄

安妮-索菲马特。孙楠摄

伊曼纽尔帕胡德。Josef Fischnalle摄影

五位世界顶级独奏音乐家将出现在国家大剧院“纯古典”系列音乐会中，他们都入选了《留声机》杂志《古典音乐名人堂》。有被称为“有十一个手指”的毛里齐奥波利尼，巴赫最权威的诠释者安德拉什席夫，郎朗，小提琴女神安妮-索菲穆特和引发郎朗效应的长笛王子伊曼纽尔帕胡德。我们列举了每位音乐家的五个小故事，带你走进他们的音乐世界。

安德拉什席夫(英国匈牙利钢琴家和指挥家)

“犹太人”受到歧视。

希夫于1953年出生在布达佩斯的一个犹太家庭。他是家里的独生子，父母是二战集中营的幸存者。他的父亲是一名医生。虽然他是犹太人，但他以高超的医术受到邻居们的尊敬。然而，在希夫四岁的时候，他第一次感受到了对“犹太人”的歧视。

小时候，希夫喜欢踢足球。有一次，和邻居家的孩子踢足球，一个三岁的孩子说：“你不能和我们一起踢，因为你是犹太人”。

希夫6岁时，父亲去世。我妈二战前学钢琴，想当钢琴老师。但从集中营回来后，妈妈没有勇气继续从事音乐工作。

钢琴声是最容易辨认的。

希夫是当代为数不多的对钢琴音色有鉴别力的钢琴家之一。只要他弹几个小节，观众就能听出是他弹的。希夫对钢琴音色要求非常严格，演奏时有时会带上自己的贝希滕斯坦钢琴。2013年他来北京演出时，有三架斯坦威钢琴因为音色问题没有被他选中。最后，希夫选择了一架贝森多夫钢琴。

巴赫最权威的诠释者

在很多音乐迷心中，加拿大“钢琴怪杰”格伦古尔德演奏的《哥德堡变奏曲》被视为最权威的钢琴版本。希夫被认为是古尔德之后巴赫最权威的诠释者。他分析了巴赫严谨的音乐结构，演绎出细腻的音色。他曾经说过，“巴赫是我的上帝，从现在到永远”。希夫在德卡唱片公司录制巴赫《十二平均律》被业界视为“试金石”。由于演奏巴赫的作品，希夫获得了1990年格莱美最佳器乐独奏奖。

请特别注意开口

希夫认为一场演出的开场给人留下的第一印象很重要，一场演唱会的完整性和张力取决于有没有一个好的开场。所以对于跨洲游，他总是提前几天到达目的地做准备。演出前一天，他会静静地坐在钢琴前，想象第一个音符弹下来的声音。巡演结束后，他会花另一段时间时间调整。“只要有一个小时的时差，我就需要一天的时间才能恢复。”

作为指挥要有自知之明。

希夫除了是钢琴家，还是指挥家，但他很有自知之明。他曾在采访中说，“我知道自己的能力和局限，不太可能指挥斯特拉文斯基的《春之祭》或者马勒的交响曲。”作为指挥家，他选择了海顿、莫扎特、贝多芬、舒伯特、勃拉姆斯、舒曼等作曲家的作品。

郎朗(中国钢琴家)

音乐启蒙是《猫和老鼠》。

郎1982年出生于一个音乐氛围很好的家庭。他的父亲拉二胡。郎朗说，他两岁多的时候看动画片《猫和老鼠》，听汤姆猫弹李斯特《匈牙利狂想曲第二号》。这是他第一次听到西方古典音乐，正是李斯特的这首钢琴曲让他想学钢琴。

7岁的时候，我每天练琴将近六个小时。

郎曾在自传中写道：“成功的秘诀就是用心做好每一件事，并热爱它。要想有所成就，就要从小学会磨炼。”

从他七岁时的练琴时间表可以看出，年轻时的郎朗每天保证近六个小时的练琴时间时间。他早上5:45起床，练了一个小时的钢琴。中午回家吃午饭后，练琴45分钟。晚上放学，练两个小时，晚饭后再练两个小时钢琴。

郎的名字成为了一个钢琴品牌。

英国《卫报》报道，仅在中国，就有超过4000万儿童因为郎朗而学习钢琴，这就是所谓的“郎朗效应”。

2002年，郎朗成为施坦威艺术家。由于郎朗在青少年中的影响力，尤其是他早年的经历和后来的成功，激发了儿童音乐教育的热潮，施坦威钢琴于2006年推出了以郎朗命名的钢琴品牌，并专门设计了五款适合早期音乐教育的“郎朗施坦威”竖琴和大钢琴。在施坦威150多年的历史中，这是第一次以音乐家的名字来命名钢琴。这五架钢琴的灵感都来自郎朗。

热衷于跨界合作

郎朗的名字早已超越古典音乐圈，他从不拒绝流行音乐。除了与周杰伦、王力宏和林俊杰等中国流行歌手合作，郎朗还在第56届格莱美颁奖典礼上与美国爵士音乐家赫比汉考克合作了《蓝色狂想曲》英镑和金属乐队Metallica合作了《One》英镑。

除此之外，郎朗还经常涉猎电影。在冯小刚导演的《夜宴》中饰演主题曲，在张艺谋的《归来》中饰演《渔光曲》，在姜文的《一步之遥》电影中担任音乐总监。他甚至在一部3D电影《梦幻飞琴》中扮演钢琴师。

永远不要拒绝高科技。

2010年，郎朗在YouTube上有一个点击量过亿的视频。那是郎朗在美国旧金山演出的时候。在附加表演时，他拿着一台iPad走上舞台，用它表演了一首里姆斯基科萨科夫的经典作品《野蜂飞舞》，引起了观众的惊叹。

郎朗从来不排斥高科技，他认为拥抱高科技是古典音乐扩大受众的最佳途径。去年，郎朗和一位意大利发明家开发了一个有53个手指的机器人，并演奏了一首歌曲《彩云追月》。

Maurizio pollini(意大利钢琴家)

父亲是建筑师。

Maurizio pollini的父亲Gino Polini是意大利理性主义建筑师，于1926年加入“七人集团”。“七人组”由一群意大利理性主义建筑师组成，他们努力脱离新古典主义和新巴洛克倾向。

40年来的记录

波里尼于1960年获得肖邦国际钢琴比赛金牌，是第一个获此殊荣的意大利人。也创下了这个奖项历史上最年轻的金牌得主的纪录。评委之一的钢琴家阿图尔鲁宾斯坦宣布了这一年的奖项。他说，“这个男孩比我们任何人都打得好”。然而，这个记录在40年后被中国钢琴家狄云打破了。

“退休”八年

在肖邦国际钢琴比赛中获得金牌后，波里尼选择了“退役”，他师从钢琴大师米开朗琪利。“极客”Michelangeli要求Polini“停止公开演出十年，停止录音十年”。为了好好学习，波里尼对媒体说，“从今天开始，我‘死’了，我会从媒体和演唱会上消失”。

乐坛“消失”八年后，波里尼提前“出山”，在伦敦伊丽莎白演唱会上开了一场“复出”演唱会。

最多的“缺点”

波里尼对音乐的态度非常苛刻，尤其是对钢琴本身，它常常被称为最“有缺陷”和最难伺候的，因为他习惯于每次巡演都带上自己的钢琴和调音师。他曾开玩笑说，他一半的演出费都给了调音师。2009年，他来北京演出，带了当时自己的钢琴。不过在演出前，他尝试选择了国家大剧院的钢琴。最后他选择了一架自己满意的钢琴，而不是用自己的钢琴。

十个手指。

波里尼技术高超，有人用“十一指”称赞他的钢琴技巧。波利尼以诠释贝多芬、舒伯特、肖邦、舒曼、勃拉姆斯、勋伯格和其他作曲家的作品而闻名。同时，他也倾向于诠释现代作曲家的作品，尤其是皮埃尔布列兹、卡尔辛德斯斯托克豪森、路易吉诺诺等人的作品。对于现代作曲家的青睐，波里尼曾说，让听众意识到音乐是不断发展的，这是一种义务。因为波利尼的精彩表演，更多的现代作曲家将作品献给了波利尼。

安妮-索菲穆特(德国小提琴家)

见见伯乐卡拉扬

马特在13岁时举行了她的第一场音乐会，1976年8月，她参加了卢塞恩音乐节。穆特的首次亮相引起了广泛的讨论，并传到了居高临下的“皇帝”卡拉扬的耳朵里。不久之后，穆特接到了卡拉扬的电话，邀请她去柏林爱乐乐团演奏。正是这场演出，卡拉扬决定在次年的萨尔茨堡音乐节上与她合作。卡拉扬影响了马特的生活。她一直在追求卡拉扬的理想，因为卡拉扬曾经说过，“如果你实现了你的理想，那就说明你把理想定得太低了。”

与莫扎特的不解之缘

穆特视莫札特为偶像。她曾说：“莫扎特的音乐像x光一样穿透灵魂。”“如果有一种音乐能让我们更接近上帝，或者更超凡脱俗，我想那一定是莫扎特的音乐。”

马特的第一场音乐会是莫扎特《D大调第四小提琴协奏曲》；她第一次遇见卡拉扬，莫扎特的小提琴协奏曲也包含在她的曲目中。她有生以来第一次与卡拉扬指挥的柏林爱乐乐团一起录制了莫扎特的《G大调第三小提琴协奏曲》和《A大调第五小提琴协奏曲》。

许多作曲家为她量身定做。

从“音乐神童”到“小提琴女神”，穆特的演奏曲目从德奥作品到现代前卫作品，应有尽有。许多现代作曲家专门为穆特创作了许多作品，包括波兰作曲家潘德莱茨基的第二小提琴协奏曲《变形》，这次将在国家大剧院上演。潘德莱斯基的音乐非常前卫，富有实验性。他1958年的《广岛受难者的挽歌》是先锋派音乐的里程碑，挑战人类听觉的极限。穆特曾称赞潘德莱斯基是画家毕加索。

此外，瑞士作曲家明紫、波兰作曲家卢托斯拉夫斯基、德国作曲家沃尔夫冈里姆和约翰威廉姆斯等。

为表演长出老茧。

在古典音乐圈，有些独唱音乐人每天都要花几十个小时练习，但穆特不属于这类音乐人。正因为如此，她左手没有拨弦的角质层，平时弹古典作品也没有问题。如果碰到卖弄技巧的作品，她就要花一周时间时间练老茧。

不带垫肩

看过小提琴演奏的观众一定会注意到，很多小提琴手使用垫肩，有利于演奏的稳定性。但也有一些小提琴演奏大师不用，包括马特。马特5岁初学的时候就用垫肩，为了帮助初学者学习夹小提琴。她开始和卡拉扬一起抛弃垫肩，用了七八年的时间时间找到最适合自己最舒服的打球习惯。因为不再需要垫肩，穆特在后期的表演中经常穿着无袖长裙，这些都是由时装设计师约翰加利亚诺设计的。然而，穆特说：“是否使用垫肩，对于一个小提琴手来说，其实并没有定论。主要看你脖子的长度和肩膀的姿势。”

伊曼纽尔帕胡德(瑞士-法国长笛演奏家)

受邻居影响爱上音乐

帕胡德于1970年出生于瑞士日内瓦。他的父母都不是从事音乐相关行业的。因为父亲的工作，他从小跟随父亲在世界各地迁徙。出生6个月后，他随父母搬到巴格达住了一年。当他一岁的时候，他又搬到了巴黎。两岁的时候，我搬到马德里住了两年，然后又搬到了罗马。

住在罗马时，帕胡德爱上了音乐，并想学习长笛。当时他们住在楼上的一个音乐世家。父母都是家里的音乐人，孩子都学乐器。一天，帕胡德听到邻居家传来笛声。是莫扎特《G大调第一长笛协奏曲》。他告诉父母，他想学长笛，以后弹这首曲子。

由阿巴多任命

1992年9月，帕胡德参加了日内瓦国际音乐节并获得一等奖。当年10月，他参加了柏林爱乐乐团的采访，这深深打动了乐团的音乐总监阿巴多。帕胡德22岁成为柏林爱乐乐团的长笛首席，也是当时乐团最年轻的首席。

2000年，他是独奏家，也是管弦乐队的成员。他从010到31019的忙碌让他的家庭陷入危机，于是他离开柏林爱乐陪伴妻子和儿子。2002年，离婚的帕胡德在新音乐总监西蒙鲁特的邀请下重返柏林爱乐乐团。

灵感来自斯坦尼斯拉夫斯基

帕胡德演奏的音乐范围很广，从巴洛克音乐到爵士乐和现代音乐。他用“变色龙”来形容自己的表现。“我会根据不同的曲目调整自己的呼吸模式，从而改变自己的演绎风格、音色和句式方法。”帕胡德更愿意将自己视为一名表演者或演员，而不是作曲家或创作者。

他曾说，自己深受俄罗斯戏剧大师斯坦尼斯拉夫斯基“体验派”的启发。但他的意思并不是表演一场演出，而是想象和体验作曲家作曲时心中所想。

他曾经说过，当演奏者在乐谱上读到“热情”的时候，是作曲家希望听众感受到热情，而不是演奏者带着热情演奏音乐。表演者应该为观众创造“热情”:他们为观众演奏音乐，而不是他们的情感。

录音狂人

1996年，帕胡德与百代古典唱片公司签约，成为唯一一位与主要国际唱片公司合作录制个人专辑的长笛独奏家。他和百代合作录制了24张专辑，几乎涵盖了所有长笛演奏曲目，甚至很多冷门曲目。

你为什么这么热衷于录音？帕胡德是这样解释的：“我喜欢在麦克风前表演，这会给你一个表演的‘特写’。在现场音乐会上你不会考虑的，你必须在麦克风前考虑。在演播室里，你看不到观众给你的情感援助，但你需要表现得像有观众在看一样。”

很有偶像气质

许多人称帕胡德为“长笛王子”和“万人迷”，因为他英俊的外表和优雅的气质，他绝对不会输给任何电影明星或偶像歌手。翻看他的画室专辑，封面设计大多以他“万人迷”的脸为主要视觉画面。

每次在电视直播柏林爱乐乐团的音乐会时，导演都会剪掉许多帕胡德表演的特写镜头。